Xochipilli Magazine presenta “Voces, Creación Literaria SPAN 310”

En Xochipilli Magazine presentamos con entusiasmo el siguiente dossier en donde se encuentra la voz de los estudiantes de la clase SPAN 310 en Escritura Creativa, asignatura que ofrece al Departamento de World Languages and Cultures de la NEIU.

Esta muestra es el resultado de meses de trabajo en conjunto por parte del profesor Raúl Dorantes, los estudiantes y Xochipilli Magazine.

Nos llena de alegría compartir este trabajo con ustedes y agradecemos el apoyo a nuestro proyecto editorial.

Eduardo Vea y su Snow Graffiti: una posibilidad de reencuentro con el espacio público

En esta ocasión Xochipilli Magazine presenta la obra de Eduardo Vea, que nos invita a observar de manera renovada nuestra relación con el espacio público.

Eduardo Vea Keating, San Sebastián, España, 1975. Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad del País Vasco. Trabaja como Director Creativo Multidisciplinar en una agencia de publicidad, actualmente en Chicago. Aunque trabaja en publicidad siempre ha experimentado en otros campos.

“Creo que así el trabajo como creativo se enriquece” E. Vea.

En nuestros días, en este contexto de pandemia, parece ser que toda actividad al aire libre se convirtió en una amenaza. El espacio público se tornó en un lugar del cual se tiene que salir rápidamente, ya no solo es la prisa por llegar de un punto a otro la que nos inclina a desmerecer la experiencia del trayecto, sino el estar el menor tiempo posible expuestos al contagio; nuestras calles y espacios públicos son una amenaza, y se han vuelto un telón de fondo que muchas veces pasa desapercibido. 

Menciono este detalle que ha cambiado nuestra vida cotidiana, ya que la obra de nuestro presente artista utiliza como elementos de sus obras, la ciudad, el barrio y la nieve, elementos que tal vez en otro tiempo no nos sorprenderían, pero en medio de la contingencia, estos elementos de la vida cotidiana, son una posibilidad de reencuentro con la ciudad, con la calle, con estar fuera de casa. 

La expresión artística como punto de encuentro

El arte, en sus múltiples expresiones, nos lanza la invitación a bajar el ritmo y considerar la relación con alguna obra como algo significativo, y parece ser que en ese detenerse la primera reacción que tenemos es preguntarnos acerca de su significado ¿y eso qué significa? Nos preguntamos cuando alguna obra nos propone algo diferente a lo que normalmente se inscribe en nuestros parámetros conceptuales. 

Establecer algún concepto o delimitar la obra bajo algún método nos permite encontrar algún significado inmediato y así acercarnos un poco a aquello que quiere transmitirnos el artista. Probablemente por la urgencia del tiempo o simplemente por la indiferencia, mantenemos la tendencia a comprender una obra simplemente para pasar a lo siguiente; conceptualizar en muchos de los casos es el intento de agotar en significado algo que se nos plantea como nuevo.

Conceptualizar en muchos de los casos es el intento de agotar en significado algo que se nos plantea como nuevo

En el caso de la obra de Eduardo Vea no es así, lejos de encontrar una concepción cerrada y clara de su obra, es decir, inscrita a conceptos o métodos conocidos, la obra del artista representa un encuentro sencillo, pero lleno de sorpresa con el espacio público. Uno puede encontrarse con la obra de Eduardo, como si se encontrara con algún signo de vialidad o un anuncio publicitario, sin embargo, la forma y los materiales con los que trabaja, nos invitan a expandir, al menos por un momento, una sonrisa de sorpresa y disipar la urgencia de salir del espacio abierto por la emergencia sanitaria.

¿Un lenguaje?

De entrada la obra de Eduardo, nos presenta una posibilidad de lenguaje. Probablemente habremos escuchado la famosa frase “la palabra no es la cosa” es decir, que existe una diferencia sustancial entre el significado y el significante, y bajo esta perspectiva, las formas que componen cada intervención del artista, nos ofrecen un significante que puede apuntar a un significado mental y auto narrativo. 

Existe texto en esas formas, pero es un texto que no parte de significantes lingüísticos sino geométricos. Algunos patrones orientados incluso a la clave morse, nos solicitan salir un poco de un lenguaje lineal y objetual, y de alguna manera adentrarnos a una narrativa simbólica, no sólo considerando los signos, sino todo el entorno público bajo el cual se ubica y se proyectan esas formas significantes compuestas de nieve.  

En cierto sentido la realidad que el artista nos propone se mueve entorno a una escisión, a la suspensión momentánea de la comprensión conceptual y objetual, sus obras de alguna manera nos invitan a ir recobrando la confianza del encuentro con la ciudad y nuestros espacios cotidianos. Lo interesante es que Eduardo no se lo propone, no busca directamente generar esa escisión e impacto en las personas, pero esto no ha de interpretarse como una indiferencia de su parte, sino como lo más propio de  la visión del arte que nos propone a partir de su trabajo.

Algunos patrones orientados incluso a la clave morse, nos solicitan salir un poco de un lenguaje lineal y objetual
foto de Andrew Hickey (derecha)
@drewinchicago

“yo solo voy caminando por el barrio, veo una pared y me pongo a jugar con la nieve”

Eduardo Vea

Juego y Snow Graffiti

Catalogar la obra de Eduardo como snow graffiti, nos remite a una significación originaria dentro del campo del arte urbano, es decir, que retoma lo público y la intervención del muro en la ciudad desde algo tan afianzado en el street art como lo es el graffiti, pero en lugar de utilizar elementos prefabricados como lo pueden llegar a ser el aerosol, utiliza un elemento que se comunica directamente con el entorno invernal que invade dicho espacio, es decir, la nieve.

Esto, claro que plantea un problema de temporalidad de la propia obra, nieve y aerosol mantienen una diferencia de duración sumamente considerable, sin embargo, este aspecto un tanto efímero de la nieve sobre el muro, produce esa sensación de estar observando algo por primera y tal vez por última vez, es decir que la temporalidad de la obra se entremezcla con la propia urgencia del caminante. 

Jugar es prácticamente el método de creación en la obra de nuestro artista. El juego, como principal motor de sus obras, nos sitúa en un lugar más acá del concepto y nos propone asumir nuestro encuentro con los espacios públicos desde una mirada nueva relacionada más a la frescura del juego que a la seriedad del concepto. Nos invita a relacionarnos con el espacio público desde un talante lúdico y creativo, y menos desde la precaución y la amenaza. Esto aun y cuando el artista no se lo proponga o no sea su intención primera. En este sentido, no hay un proceso previo en el que se piense la obra o se tenga cierta planificación de cada intervención; la espontaneidad se convierte en ese estado de creación “en muchas ocasiones solo me paro frente al muro, empiezo a jugar con la nieve y me digo: a ver que sale” nos dice el artista. 

Si tuviéramos que hablar de un método,  se trata de estar atento a la propia disposición de jugar y de crear, de establecer la expresión artística como un elemento más de la cotidianidad y no como una actividad que pertenece a seres privilegiados. El juego, como principal motor de estas obras, nos propone asumir nuestro encuentro con el espacio público de manera sencilla y clara. 

El reencuentro con la ciudad

Parece ser que, en cierto sentido, la ciudad es la que propone sus espacios, y la intervención del artista, produce un momento de encuentro para quien logre estar atento. Uno va caminando y se topa con algún snow graffiti y la relación con el trayecto cambia “en ocasiones me he quedado minutos observando una esquina, pensando la mejor manera de intervenir ese espacio” ya  no es solo un trayecto que circula de a→b, como si lo verdadero sólo fuera el punto de partida y de llegada, sino que la obra del artista representa una reinvención de ese trayecto, nos ofrece detenernos o al menos girar el cuello, tal vez logrando en nosotros que esa interacción con la ciudad, el trayecto y la obra, establezcan un nuevo sentido “lo importante para mí es disfrutar el proceso, jugar, si eso logra generar algo a una sola persona, ya se habrá logrado algo”.  

Por último, es interesante mencionar que en el snow graffiti no hay una disociación de elementos, ya que todos pertenecen al ámbito público y están integrados en la misma, artista, muro, nieve y ciudad. Descontextualizar la nieve, a lo dadaísta,  me parece que es y representa el logro de este artista; la escisión que nos invita a un reencuentro con nuestra ciudad, con nuestro barrio, con el espacio público. 

Escrito por Pedro Pablo Marin (arte, ciudad, poesía y hip hop)

Anahid Hernández y la corporalidad de su pintura

En esta ocasion Xochipilli Magazine presenta la propuesta artística de Anahid Hernández, pintora Mexicana que explora la vinculación entre cuerpo y pintura, proponiéndonos, una visión de la finitud, no como final sino como punto de partida.

por Pedro Pablo Marín

Anahid Hernández

Monterrey, Nuevo León, México, 1988.
Es Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), Monterrey, Nuevo León, México. Le gusta pintar más con óleo porque la pintura perdura más y le da textura y color a su obra.

“A mi lo que me mueve es hablar del paso del tiempo, el por que hacemos lo que hacemos, nuestras metas y nuestros sueños”

Anahid

Establecer la finitud y el paso del tiempo como punto de partida de nuestros actos, nos propone, una apropiación de la finitud, no como algo de lo cual se deba huir, sino como punto de partida.

La obra de Anahid, gira en torno a la cotidianidad, a los pequeños actos en los cuales ocupamos el tiempo “a mi lo que me mueve es hablar del paso del tiempo, el por que hacemos lo que hacemos, nuestras metas y nuestros sueños” (Anahid). Esta cotidianidad considerada bajo la perspectiva del tiempo, encarna una consciencia de lo que pasa, de lo caduco, de aquello que por ser pasajero no ha de desecharse o ignorarse, sino ser vivido en su máxima expresión momento a momento. 

“Sólo tenemos esta vida para hacer las cosas y

nos tenemos que levantar día con día para lograr algo,

con la consciencia de que no tenemos control total

sobre el cómo y el cuándo moriremos”

En este sentido, la finitud, tanto de la vida como de los actos en el tiempo, sitúan a la pintora en la autenticidad de su obra “sólo tenemos esta vida para hacer las cosas y nos tenemos que levantar día con día para lograr algo, con la consciencia de que no tenemos control total sobre el cómo y el cuándo moriremos” (Anahid). Este hacer que nos comparte Anahid, estas acciones diarias con las cuales vamos construyendo un sentido, residen en algo que nos es muy propio: el cuerpo.

Es en la corporalidad donde experimentamos el paso del tiempo y a través del cual accionamos nuestro sentido vital.

Pinto el Tiempo a la manera que lo siento, como un Ser que rige mis días, atento a mis pasos, con una fuerza parecida a los agujeros negros en el espacio, se lo lleva todo ¿A dónde?

Es un misterio

Anahid

El cuerpo como un elemento fundamental en la obra plástica de la artista, nos sitúa en un campo de sentido que abarca la temporalidad, la finitud y la creación simbólica a partir de la caducidad del mismo. 

En la obra plástica de la pintora Mexicana, existe una corporalidad, es decir, que uno de sus métodos de creación consiste en escenificar sus propias pinturas, de manera que su obra, antes de pasar por el pincel, los colores y las formas, pasa a ser habitada en el propio cuerpo de la artista, como si de alguna manera, este método permitiera habitar el sentido de la obra que se pretende crear antes de ser creada, como si el acto mismo de hacer de su cuerpo el símbolo de su obra futura, le otorgara a la misma, ese sentido de finitud y de creación que se desprende de vivir siempre al lado de lo finito, de lo terrenal, de lo que termina, de la muerte.  

Este método permite habitar el sentido de la obra que se pretende crear antes de ser creada

Más allá o más acá del performance, la obra de Anahid, nos remite a la corporalidad de los sentidos creados en el tiempo, en la cotidianidad y que posteriormente demandan una expresión plástica “empiezo con pequeños apuntes de dibujos y durante cierto tiempo lo voy desarrollando, busco materiales, maquillaje, telas, todo lo que creo voy a necesitar” (Anahid).

Antes de llegar al lienzo o al muro, la obra de Anahid ya ha madurado y podríamos decir que la ha acompañado en su cotidianidad, en sus acciones diarias, en su finitud y en su corporalidad.

Para conocer mas de la obra de Anahid dar click en el enlace

https://www.instagram.com/anahid_hdz/

Cristian Roldán: la pintura mural como intervención política

Xochipilli Magazine presenta el trabajo del artista Cristian Roldán, en donde nos propone la aspiración de lograr fundar una conciencia social y política a partir de la pintura.

A continuación compartimos una breve entrevista, en donde nos comparte su visión y una muestra de su más reciente obra.

Nacido en Puerto Rico, Cristian J. Roldán reside en Chicago desde el 2014. Cursó su maestría en educación del arte en The School of the Arts Institute of Chicago (SAIC). Su trabajo está influenciado por el uso de los espacios públicos para la preservación de la memoria colectiva, el diálogo y la representación cultural de la diáspora puertorriqueña y latinoamericana en los Estados Unidos.

El génesis de todo proceso creativo es la incomodidad.

Cristian Roldán

Entrevista

¿Cómo nace tu proyecto artístico y por qué elegiste la expresión mural?

Me involucré en el muralismo por pura casualidad. Cuando me establecí en Chicago, comencé a trabajar con el Centro Cultural Puertorriqueño, en Humboldt Park, les pedí que me proveyeran una pared para pintar un pequeño mural. Así comenzó todo. Un mural me llevó al próximo y del próximo al otro. Cuando llegue a Chicago me dí cuenta que muchos de los problemas sociales que veía en la isla, se repetían en la diáspora Puertorriqueña en Chicago. Fue entonces cuando decidí crear conceptos con temas sociales. Más que para llevar una narrativa, el mural se convirtió en el medio más accesible con el cual preservar la memoria colectiva en la diáspora Puertorriqueña.  

¿Cómo es que surge tu proceso creativo, es decir, el paso de una idea a plasmarla en la obra?

             El génesis de todo proceso creativo es la incomodidad. Si hubiese sido una persona conforme con la sociedad jamás hubiese creado algo artístico. La inspiración surge al querer imaginar una realidad alterna, del deseo de querer ordenar y reconstruir tanto el interior como el exterior, o al querer denunciar los entornos como productos de una construcción social. Las ideas comienzan a nacer desde esa incomodidad, es ahí cuando nace la narrativa, la crítica y el proceso explorativo.

Una vez llega la idea, la creación se convierte en un problema en evolución constante con cada trazo o con cada pincelada, con cada capa de pintura sobre capa. Las imágenes van mutando como las ideas. Primero es una superficie en blanco, luego es emburujo o garabato, cuando vienes a ver todo va tomando forma de a poco a poco es entonces cuando lo dejo todo y lo retomo al otro día.

¿Crees que la creatividad en cualquiera de sus manifestaciones artísticas provoque un cambio social?

            Absolutamente. Habrá quien argumente que la acción creativa no ejerce una fuerza directa sobre las estructuras sociales. Sin embargo, las manifestaciones creativas estimulan la imaginación, un paso esencial para el pensamiento crítico, y de ahí partir hacia la acción. A través del cultivo de la imaginación se llega a la empatía con el prójimo, a la búsqueda de alternativas a los problemas sociales y a la exposición de narrativas que de otra manera pasarían por desapercibidas. El arte sirve para concientizar a las masas y crear diálogos sobre asuntos sociales que de otra manera pasarían desapercibidos. Ejemplos del uso del arte como una fuerza social son el movimiento de muralismo mexicano en los años 30.

¿Cómo consideras el panorama del arte latino en Chicago?   

Hace seis años, cuando llegué a Chicago, observé que el arte público latino ha sido muy influenciado por las condiciones que se vive como inmigrante. No obstante, pienso que hoy en día se está profundizando más en las raíces sociales y causas globales que han llevado tanto a la migración como a la marginalización de los inmigrantes. El racismo ya no es un asunto que se pueda ignorar, la migración ha sido tema central de campañas políticas y la desigualdad social se discute hoy más que nunca. Dichos problemas sociales surgen a raíz de una colonización tanto interna como externa, en el caso de Puerto Rico. En el arte se vuelve cada vez más resonante el asunto del colonialismo como causa principal de un desorden social que históricamente ha beneficiado al eurocentrismo nutriéndose de la marginalización de los grupos marginados. Producto de ello, ha surgido un discurso que aboga por la descolonización de las instituciones de arte. Hoy en día se reclama de una manera más abierta y directa a través de, y para el arte, la descolonización institucional y la creación de espacios inclusivos donde las realidades de los latinos y de los inmigrantes sean visibles tanto en el mundo artístico como en la esfera social.  

Diaspora Rican

46 x 6ft.

Spray paint, Acrylic and house paint on wood fence

2020

This public artwork narrates the story of the multiple waves of the Puerto Rican migration to the United States after the island was invaded by the U.S. and was transferred to become a possession of United States in 1898. Puerto Rico was immediately proclaimed as a colonial enterprise that belongs to but is not a part of the U.S. The change thwarted the economic and financial development of the colonized territory; in which the island produced what it not consume and consume what it not produce. This has ensures a process of constantly spatially deconcentrating the Puerto Rican people. This constant displacement, for economic survival, has created a spectrum of an ever-mutating identity that struggles to find and define a place in these new spaces, without losing their essence and their will for self-determination.

The images, in this mural, depict the waves of migration from Puerto Rico to the U.S. for over a century, and aims to raise consciousness of the negative impact of this of this constant population movement on the island. Every single image in the mural represents a different historical context that has informed the Puerto Rican identity to become that of a “nomadic” nation or as Jorge Duany states “A nation on the move”.

La siguiente pieza narra las múltiples olas migratorias de Puerto Rico hacia Estados Unidos después que la isla fuera transferida a Estados Unidos en 1898. Inmediatamente Puerto Rico fue etiquetada como una colonia, que pertenece pero no es parte de los Estados Unidos. El cambio impidió el desarrollo económico y financiero del territorio colonizado, al convertirle en un territorio que produce lo que no consume y consume lo que no produce, creando así un proceso de contante desconcentración espacial de los puertorriqueños. El desplazamiento constante ha creado un espectro de mutaciones de una identidad que lucha por encontrar y definir un lugar en los nuevos espacios, sin perder la esencia y el deseo de autodeterminación.

Las imágenes, en este mural, representan las olas migratorias de Puerto Rico a los Estados Unidos, por mas de un centenario, buscando crear conciencia sobre el impacto negativo de a pérdida de población en la isla. Cada imagen en el mural representa un contexto histórico que ha fomentado a la identidad puertorriqueña a convertirse en una nación nómada o como Jorge Duany diría “Una nación en vaivén”.

Consulta mas de la obra del artista a través de sus redes sociales

@roldan.aponte

www.facebook.com/Roldarts

Alan de Aquino: Collage filosófico literario

Xochipilli Magazine presenta el trabajo del artista Alan de Aquino, que explora una narrativa visual a partir del collage proponiéndonos diferentes caminos y lecturas a partir de la multiplicidad de una sola imagen.

A continuación compartimos una breve entrevista, en donde nos comporte su visión y una muestra de su mas reciente obra.

Eric Melecio

Eric Melecio recibió los premios de ficción (2015) y poesía (2018) en el departamento de inglés de Northeastern University. En el 2018 su cuento “El manga” ganó el primer lugar en el II concurso literario de St. Xavier University. Actualmente atiende Northwestern University donde estudia una maestría en creative writing. Sus obras aparecen en la revista SEEDS y Contratiempo.